Dernières critiques spectateurs

Gaua (The Night) est une très belle réussite dans le registre du folk horror. Le film s’inscrit clairement dans la lignée d’œuvres comme The Witch, The Wicker Man, Midsommar ou encore Les Yeux de Feu, tout en développant une identité propre profondément ancrée dans les croyances et les traditions du Pays basque du XVIIe siècle.

La structure est particulièrement intéressante. Le film adopte une forme proche du film à sketches, sans jamais en être réellement un. Là où les récits segmentés proposent généralement des histoires indépendantes reliées par un simple fil conducteur, Gaua fait progressivement converger ses différents récits vers une histoire unique. Cette construction donne au film une véritable cohérence d’ensemble et renforce l’intérêt du spectateur au fur et à mesure que les liens entre les différents segments se dévoilent.

Mais ce qui impressionne avant tout, c’est la maîtrise formelle de l’œuvre. La réalisation est remarquable de bout en bout. Chaque plan semble pensé avec soin et la photographie est absolument magnifique. Le film parvient à donner à la forêt, aux montagnes et aux villages une présence presque surnaturelle, tout en conservant un profond ancrage dans le réel. Parmi les nombreux moments marquants, le long plan-séquence du sabbat constitue sans doute le sommet visuel du film. Ce mouvement de grue ample et spectaculaire déploie toute la puissance de la scène et produit une impression de fascination rarement atteinte dans le genre.

Les interprètes participent également à cette réussite. Les acteurs et actrices livrent des prestations très convaincantes et contribuent à rendre crédible cet univers où les croyances populaires, les superstitions et les rumeurs façonnent le destin des personnages. La reconstitution historique est elle aussi particulièrement soignée, au point de donner l’impression d’assister à une véritable immersion dans l’Espagne rurale du XVIIe siècle.

J’ai particulièrement apprécié la façon dont les différentes histoires se répondent et se complètent pour former un récit global. Cette construction permet au film de conserver l’intérêt et la richesse d’un récit choral tout en évitant la fragmentation souvent associée aux films à sketches.

Au final, Gaua (The Night) est pour moi un véritable bon film.

Yesterday Island a été l’un de mes véritables coups de cœur du BIFFF 2026. Il faut dire que j’ai déjà une affection particulière pour les récits construits autour des boucles temporelles, mais ce film parvient à renouveler le concept avec une intelligence remarquable.

Là où beaucoup d’œuvres du genre se concentrent essentiellement sur la répétition d’un même événement et les tentatives du protagoniste pour s’en échapper, Yesterday Island adopte une approche plus ambitieuse. La boucle n’est pas simplement un phénomène à subir? elle devient la composante centrale d’un véritable jeu dont les personnages doivent comprendre les règles. Pour espérer s’en sortir, il ne suffit pas de répéter les événements jusqu’à trouver la bonne combinaison.

Cette mécanique est d’autant plus intéressante que le film ne repose pas sur un unique protagoniste. En multipliant les personnages, le scénario enrichit considérablement les enjeux et évite l’un des écueils classiques du genre. Habituellement, les boucles temporelles servent avant tout à faire évoluer un seul personnage confronté à ses erreurs ou à ses limites. Ici, plusieurs trajectoires se développent simultanément, ce qui permet au récit de gagner en profondeur émotionnelle et dramatique.

La réalisation accompagne admirablement cette ambition scénaristique. Les effets de montage sont particulièrement efficaces et contribuent à rendre les différents niveaux de lecture parfaitement compréhensibles. Le film multiplie également les trouvailles visuelles qui renforcent son identité. J’ai notamment beaucoup apprécié le générique, dont les noms évoluent à chaque nouvel « invité », une idée simple mais particulièrement inventive qui s’intègre parfaitement à la logique du récit.

En bref, une belle réussite.

The Restoration at Grayson Manor démarre sous de bons auspices. Le film introduit une relation mère-fils particulièrement toxique, portée par Jacqueline, propriétaire autoritaire du manoir Grayson, et Boyd, son fils pianiste prodige. Entre la volonté maladive de la mère de perpétuer sa lignée et la haine viscérale que lui voue son fils, les premières scènes laissent entrevoir un drame familial sombre et prometteur. Cette dynamique conflictuelle constitue sans doute l’aspect le plus intéressant du long-métrage.

Malheureusement, après cette introduction réussie, le film peine à développer son potentiel. Très vite, l’intrigue donne l’impression de tourner en rond et de répéter les mêmes situations sans véritable progression dramatique. Les personnages restent figés dans leurs comportements et n’évoluent pratiquement jamais, ce qui finit par nuire à l’implication émotionnelle du spectateur.

L’un des principaux problèmes vient également du fait qu’il est difficile de s’attacher aux protagonistes. Presque tous apparaissent profondément antipathiques, ce qui rend leurs mésaventures assez peu engageantes. Seule l’infirmière cubaine parvient à dégager un peu de sympathie et d’humanité, mais cela reste insuffisant pour contrebalancer le reste de la galerie de personnages.

L’élément fantastique central, à savoir les mains amputées de Boyd qui semblent acquérir une forme d’autonomie, manque lui aussi d’impact. L’idée peine à surprendre ou à impressionner. Dès lors, le film ne parvient jamais vraiment à donner à cette idée une identité propre ou une dimension suffisamment marquante.

Tout n’est cependant pas à jeter. La réalisation témoigne d’un certain soin, les acteurs livrent des prestations solides et la composition des plans est souvent élégante. Le film possède une esthétique travaillée et quelques qualités formelles indéniables qui montrent une réelle ambition derrière la caméra.

Il n'en reste pas moins que The Restoration at Grayson Manor est une déception pour moi. J’avais sincèrement envie d’adhérer à cette proposition, notamment grâce à son ouverture efficace et à son portrait d’une relation familiale malsaine. Mais le manque d’évolution des personnages, la répétitivité des situations et l’exploitation peu convaincante de son concept fantastique ont fini par me faire décrocher.

Imposters est un excellent film qui exploite le concept du multivers avec une remarquable intelligence. Là où beaucoup d’œuvres utilisent cette idée comme un simple prétexte à des effets spectaculaires ou à des jeux de réalités parallèles, le film s’en sert avant tout pour explorer des questions profondément humaines. Au cœur du récit se trouve le deuil, et plus particulièrement celui d’une mère confrontée à une perte aussi tragique qu’injuste. Le film nous pousse alors à nous interroger : agirions-nous différemment à sa place ? Sommes-nous réellement meilleurs que les personnages ?

Au-delà de cette réflexion morale, le scénario s’intéresse également aux mensonges qui traversent les relations de couple. À cet égard, la construction du récit fonctionne presque comme une boucle. L’histoire débute par une tromperie, celle du mari, et se referme sur une autre forme de mensonge puisque le couple se retrouve réuni sans même avoir pleinement conscience de ce qui s’est réellement produit. Cette symétrie narrative donne au film une résonance particulièrement intéressante.

Le récit soulève aussi une autre question essentielle : une personne peut-elle véritablement changer en profondeur ou ne modifie-t-elle que son apparence et ses comportements ? À travers ses multiples versions des personnages et les choix qu’ils effectuent, le film invite constamment le spectateur à réfléchir à cette idée.

L’ensemble est porté par une intrigue tendue et un suspense particulièrement bien maîtrisé. La mise en scène accompagne efficacement cette mécanique complexe sans jamais perdre de vue les enjeux émotionnels. C’est d’ailleurs le genre de film que l’on a envie de revoir une fois le générique terminé, ne serait-ce que pour repérer les indices, les préparations et les détails disséminés tout au long du récit qui prennent une nouvelle signification à la lumière du dénouement.

J’ai énormément apprécié cette proposition, notamment parce qu’elle assume pleinement son ambiguïté morale. Le film refuse les réponses faciles et laisse le spectateur face à des situations où le bien et le mal ne sont jamais clairement définis, ce qui le rend d’autant plus fascinant.

À noter qu’après la projection, l’écrivain Cédric Sire m’a signalé que le film pouvait présenter de fortes similitudes avec Coherence de James Ward Byrkit. Ce film de 2013 mettait déjà en scène un groupe d’amis réunis pour un dîner alors qu’une comète traverse le ciel au-dessus de Los Angeles. Une série d’événements étranges et de perturbations de la réalité venait progressivement bouleverser leur soirée, jusqu’à remettre en question leur identité même et le cours de leur existence. La parenté entre les deux œuvres mérite effectivement d’être relevée, même s’il appartiendra à chacun de juger si ces ressemblances relèvent de l’inspiration, de la coïncidence ou d’un véritable plagiat.